GIORGIO MOISO: “COLORE, MATERIA, GESTO”

Al Centro Ceramico Museo Fornace Pagliero 1814

di Castellamonte (TO) dal 10 maggio

Verrà presentata il 10 maggio, alle 11, presso il “Centro Ceramico Museo Fornace Pagliero 1814”, in frazione Spineto, 61, a Castellamonte (To) la mostra “Colore, Materia, Gesto”: una antologica con circa 50 opere di Giorgio Moiso (Cairo Montenotte 1942 – Savona 2019) a cura di Antonella Gulli.

La mostra sarà poi aperta al pubblico dall’11 al 25 maggio con il seguente orario: festivi e prefestivi dalle 10 alle 12.30 e dalle 15 alle 18.30, lunedì chiuso, giorni feriali apertura pomeridiana dalle 15 alle 18.30.

Ritorna la tradizionale RASSEGNA KÉRAMOS 2025, giunta alle XI edizione, che quest’anno copre un arco temporale fino a fine gennaio 2026, sviluppando eventi e mostre, sia nella location della Galleria GULLIarte, che in altre sedi pubbliche e private rassodando sodalizi storici e nuove collaborazioni.

Il primo evento in calendario è a Castellamonte presso il CENTRO CERAMICO MUSEO FORNACE PAGLIERO 1814, con una grande mostra dedicata al Maestro:

GIORGIO MOISO – COLORE, MATERIA, GESTO.

Un’operazione destinata a lasciare una traccia importante nel centro di Castellamonte, con l’allestimento, nella Fornace Pagliero, dell’opera “Tappeto da viaggio”: un pannello monumentale di circa trenta metri quadrati, composto da 189 formelle, che rinsalda il legame tra il luogo in cui è stato cotto e la Piral, la città di Albisola in cui era stato plasmato.

Si tratterà dell’opera più rappresentativa della mostra. Il suo fulcro. Un diamante che verrà esposto presso uno dei cortili interni del complesso.

Il grande pannello rimarrà poi in permanenza negli spazi del Museo!

Nell’interno della Fornace sarà allestita una retrospettiva con circa 50 opere di Giorgio Moiso (Cairo Montenotte 1942 – Savona 2019) a cura di Antonella Gulli. con la presentazione e il testo critico a cura di Domenico Iaracá.

L’esposizione è in calendario nei programmi di Castellamonte degli eventi di BUONGIORNO CERAMICA,nei giorni 17/18 maggio 2025

IL 23 agosto 2025 la mostra sarà riaperta durante le manifestazione della 64 Mostra della Ceramica di Castellamonte, fino al 14 settembre 2025.

Info orari e apertura in dettaglio sul sito www.fornacepaglierocastellamonte.it

Dal 29 Novembre 2025, la mostra sarà trasferita a Savona in Galleria GULLIarte, nella quale verranno inserite per l’occasione delle nuove opere.

TESTO CRITICO A CURA DI DOMENICO IARACA

GIORGIO MOISO E LA LIBERTÁ NELL’ARTE.

Il prossimo 10 maggio inaugura a Castellamonte un mostra dedicata a Giorgio Moiso e la sua ricerca artistica. Opportunità importante con opere che ripercorrono le diverse tappe del suo percorso con un’opportunità unica di approfondire il suo operare tra Albisola e il centro del Canavese su cui ci soffermeremo tra poco.

Già da questa premessa appare immediatamente chiaro come sia un compito davvero arduo se non impossibile riassumere, sinteticamente ed esaustivamente al tempo stesso, una carriera pluriennale con molte tappe diverse al suo interno. Per quanti fossero  interessati ad una prospettiva diacronica non possiamo quindi che rimandare alla fortunatamente ricca bibliografia. Altrettanto numerosi i giudizi espressi dagli artisti di indubbia fama incrociati nel suo percorso, da Agenore Fabbri a Bruno Ceccobelli, solo per fare due esempi.

Ci limitiamo così ad alcuni spunti di riflessione a partire dal tema delle sue opere e le scelte cromatiche a questi legate.

La tela del 1971 dedicata a L’albero, tema centrale della produzione di Moiso. non può che ricordarci un’opera centrale nella storia dell’arte, il lavoro di sessant’anni esatti precedenti di un altro grande pittore, il belga Piet Mondrian, ora al Gemeentemuseum Den Haag. La scelta di abbandonare le cromie naturali per i toni di grigio, il progressivo ridursi delle forme tridimensionali a pretesti grafici sembrerebbero accomunare il percorso intrapreso dai due. Ma basta procedere di pochi anni nei rispettivi percorsi per vederne le discrepanze. Se noi tutti abbiamo davanti agli occhi le scansioni geometriche che scandiscono le tele di Mondrian, le sue campiture cromatiche uniformi, non possiamo che apprezzare, in Moiso, le campiture di forme mai uguali alle altre, I colori corposi che coprono le tele. Alberi prima e canne poi, in sequenze di colori primari accostati gli uni agli altri in estrema libertà.

Lo stesso principio ispiratore crediamo di poter riscontrare nella sua trasposizione su tela degli stimoli offerti dalla musica jazz. Nel tentativo di descrivere le opere di questo periodo la critica ha usato I termini “infigurale e dinamicamente spontanea”,

Se consideriamo gli esiti dell’incontro di artisti diversi con gli stimoli offerti dai paesaggi urbani e più latamente culturali degli Stati Uniti gli esiti appaiono decisamente personali. Se Mondrian, arrivato a New York, parcellizza ulteriormente I suoi tracciati già ortogonali; se Renza Sciutto, conterranea di Moiso, in anni più recenti del pittore olandese riporta nelle sue opere il tracciato regolare delle finestre che ci sovrastano nel percorrere le strade della metropoli, Moiso preferisce rivolgersi alla più impalpabile delle fonti d’ispirazione, la musica, che diventa parte integrante delle sue performance.

Prima di concludere un accenno – veloce, ma doveroso – ad un’opportunità rara offerta dalla mostra di Castellamonte; ci riferiamo alla possibilità di vedere allestita l’opera Tappeto di viaggio. Si tratta di pannelli di ceramica realizzati ad Albisola e cotti poi a Castellamonte, per rinsaldare un legame profondo tra I due centri di antica tradizione ceramica.

Il Centro Museo Fornace Pagliero 1814, presenterá l’opera monumentale di circa trenta metri quadrati, con profili femminili incisi nell’argilla. Se ne I tarocchi, opere di alcuni anni precedenti, la citazione della ceramica tradizionale anima le vesti dei personaggi, anche questa scompare del tutto in Tappeto di viaggio per lascaire spazio al gesto libero, in una produzione che ha fatto della libertà il suo tratto distintivo.

Domenico Iaracá

Sabato 1 Marzo alle ore 17.30 l’antologica dell’artista Giovanna Crescini.

a cura di Antonella Gulli.

Presentazione e testo critico a cura di Ferdinando Molteni.

Un’esposizione di tele e ceramiche, con una selezione cronologica di varie tematiche, in cui l’artista ha sviluppato la sua arte.

L’esposizione é visitabile dal 1 marzo al 31 marzo 2025

I mondi sommersi (e quelli emersi)
di Giovanna Crescini

Pesci, pesci, siamo pesci con branchie rosse;
nulla ci turba e freddo è il nostro sangue:
siamo ottimisti per i nostri guai,
che a esser branco ogni pesce è eroe.

Herman Melville, da Noi pesci

L’ho raccontato mille volte, a lei e agli amici, e l’ho anche scritto. Ma è davvero successo così. Per caso.
Una ventina di anni fa. Forse anche di più.
Lavoravo, allora, al quotidiano “Il Secolo XIX” che aveva una bellissima e grande redazione in via Paleocapa. Ci andavo a piedi, perché stavo in via Martinengo. E tutte le mattine passavo davanti alle vetrine della Cassa di Risparmio di Savona. Dove si esponevano opere d’arte.
Di solito andavo dritto. Non c’era molto che mi interessasse. Qualche vecchia ceramica e qualche peintre du dimanche. Magari anche bravo, ma la cosa finiva lì. Non mi fermavo quasi mai.
Poi, un giorno, ecco in quelle vetrine un’esplosione di colori, di personaggi, di vita vera. Mi fermo a guardare i quadri. Sono una cosa che, lì per lì, rimanda a Renato Guttuso e, anche, all’assonante Saverio Terruso. Quadri magnifici. Capaci finalmente di raccontare. Penso di avere di fronte un’artista siciliana – perché il nome lo avevo letto e sapevo che era una donna – o comunque meridionale.
Invece scopro, dopo qualche tempo, che si tratta di un’artista che non è siciliana ma umbra. E che vive da queste parti.
Da quel giorno non l’ho più persa di vista.
Ed ho amato le sue tele, piene di vita e di pesci, di sedie e di mondi sommersi, i suoi paesaggi liguri, le sue ceramiche dalle forme inusuali, con i ramarri che le risalgono, le sue incredibili piante con gli uccelli che stanno per spiccare il volo, il suo lettering e le sue citazioni delle formelle della fontana di Perugia e poi la sua rilettura dei tarocchi.
Giovanna Crescini, per me, non è una di quelle troppe numerose artiste e di quei troppi numerosi artisti che cercano il clamore e invocano la loro – presunta – originalità. Che peraltro è sostanzialmente impossibile in arte. Crescini cerca, come gli artisti veri, la poesia. Che è la vera cifra dell’arte. Della sua e di quella degli altri.
Ne trovo tanta nelle sue opere. Sia di ceramica che su tela. Anche perché i temi, in fondo, sono gli stessi. Cambia solo la materia.
Ogni opera di Crescini è la sintesi del suo percorso. Della sua vita. Del suo sguardo sul mondo. E sulle cose. Ma se dovessi scegliere un’opera tra quelle esposte ne sceglierei una fatta di due sedie, un lacerto di rete da pesca e una manciata di pesci. Le sedie sono la quotidianità rassicurante e domestica, lo stare insieme, la partecipazione. La rete è la trappola, dentro la quale tutti possiamo cadere. Ma dalla quale si può uscire, vivi o morti. E i pesci di Giovanna Crescini, che sono vivi anche se sono morti, lo raccontano con l’evidenza di un fotogramma, con la grazia dei colori e delle forme. Con la poesia insomma.

                                                                                                              Ferdinando Molteni

Orari apertura Galleria GULLIarte:

chiuso il lunedí mattina – pomeriggio 15.30/19.30 tutti i giorni 12.00/19.30

info:3478055044 – info@gulliarte.it

Sabato 30 Novembre 2024, dalle ore 17.00, fino al 26 Gennaio 2025, ritorna in Galleria GULLIarte, a Savona in Via Nostra Signora dell’Olmo9, l’ereditá artistica del Novecento, con una retrospettiva di pittura, del Maestro Gigi Caldanzano, dal titolo:

“Quando la banda passó…”.

Gigi Caldanzano, poeta di una città immaginata e musicale

”Quando guardo i quadri di Gigi Caldanzano mi chiedo sempre se la Savona che racconta sia quella vera, oppure se sia il frutto della sua immaginazione. Mi chiedo, in definitiva, se Caldanzano sia un pittore del reale o del sogno. Poi arrivo sempre alla stessa conclusione: Caldanzano, come tutti i poeti autentici, trasfigura la realtà, la ricrea con i suoi pennelli e i suoi colori, la restituisce con i suoi bellissimi dipinti.

Savona era una città che respirava musica, che si nutriva di musica. Allora come oggi. E questa mostra testimonia questa infinita passione che riguarda, nelle storie di Caldanzano, più il popolo che le élite…

…Questa esposizione – magnifica per ricchezza di opere e originalità – credo confermi quanto ho cercato di dire. Con varianti stilistiche formidabili – Caldanzano passa agevolmente dal Picasso del periodo blu alle atmosfere oniriche di Chagall, transitando per l’Espressionismo tedesco e il mai dimenticato Mino Maccari, solo per fare qualche esempio – Caldanzano, dicevo, lo fa restando sempre riconoscibile. Restando sempre Caldanzano…

…Ricordo il suo studio di via San Lorenzo, luogo magico e pieno di storia; le tele ordinate per bene sopra gli scaffali, quasi fossero i libri di una biblioteca dell’anima. E quella appoggiata al cavalletto ancora da finire. E, ancora, la sua tavolozza, i pennelli e il suo camice bianco che indossava con l’eleganza di un uomo d’altri tempi.

Perché così Caldanzano voleva essere. Era vecchio ma visse ancora molti anni dopo quell’incontro che fu per me, giovane giornalista del “Secolo XIX”, una delle esperienze più belle di quei tempi gloriosi per il quotidiano. Caldanzano, quel giorno, seppe con pochi gesti e qualche parola, raccontare la sua lunga vicenda artistica. Ricordo quando si avvicinò ad uno scaffale e sfilò la tela con le torri medievali di Savona quasi piegate da un vortice futurista. Poi si lasciò andare ai ricordi, di quando incontrò Filippo Tommaso Marinetti, nell’annus horribilis 1943, in occasione della mostra futurista di Savona nella quale il quadro, che aveva tra le mani, era stato esposto. E del suo colloquio con Marinetti e di quella incredibile e imprevedibile raccomandazione finale, pronunciata con paternacondiscendenza dal poeta di Zang Tumb Tumb: «Dimenticati del Futurismo». Marinetti sarebbe partito qualche giorno dopo per Salò. Morirà l’anno dopo a Bellagio, sul lago di Como.

Caldanzano aveva 22 anni. E doveva ricominciare tutto da capo.

Il giovane pittore prese in parola Marinetti. E quel giorno, probabilmente, con l’addio al Futurismo, nasceva un poeta che ci avrebbe accompagnato per tanti anni a venire”.

testo tratto dallo scritto del Prof. F. Molteni per la presentazione della mostra:

GIGI CALDANZANO – “Quando la banda passo…”

dal 30/11/2024 al 26/01/2025 –catalogo mostra disponibile in galleria

Gigi Caldanzano – I tifosi del Savona Calcio – olio su tela 49x59cm

Gigi Caldanzano – La trattoria dei quattro venti – olio su tela 50x60cm

GULLIarte – via Nostra Signora dell’Olmo 5/7/9 – Savona

info: www.gulliarte.it – facebook/instagram:@gulliarte.it – info@gulliarte.it – 3478055044

ORARIO GALLERIA: chiuso il lunedi mattina- pomeriggio 15.30/19.00 –tutti i giorni dalle ore 12.00/19.00

OPERE IN PERMANENZA I DISPONIBILI N GALLERIA:

Carlos Carlé : Pannello in grés/smaltato 82x82cm – informazione valore contattare galleria

Carlos Carlé : Pannello in grés/smaltato 2008 98×46 cm – informazione valore contattare galleria

Carlos Carlé: Semisfera in grés/smalti diam. 50cm – informazione valore contattare la galleria

Carlos Carlé: Piatto 2011- 35x42cm – informazione valore contattare la galleria

CARLOS CARLÉ – FUOCO, MATERIA, FORMA

La mostra si é svolta dal 28 settembre 2024 fino al 24 novembre, presso la Galleria GULLIarte, a Savona in Via Nostra Signora dell’Olmo 5/7/9.

GULLIarte ha ospitato nuovamente, dopo dieci anni, le opere del Maestro Carlos Carlé, ed ha dedicato a fine mostra una stanza, presso la Galleria di Savona, nella quale sono allestite in permanenza le opere del Maestro

La mostra é stata presentata dal critico d’arte Matteo Fochessati, ed è stata un’ideale prosecuzione, in misura ridotta, dell’ampia mostra che tra aprile e settembre 2024 è stata organizzata da GULLIarte in collaborazione con il Centro Ceramico Museo Pagliero nei locali dell’antica Fornace Pagliero 1814 di Castellamonte (TO).

La retrospettiva è stata curata da Antonella Gulli che ha selezionato 40 opere in grés ceramico, di diverse dimensioni: sculture, totem, bassorilievi, dischi, sfere, alcuni della quali inedite, eseguite in vari periodi storici, che seguono l’evoluzione artistica del Maestro.

La prima volta che Carlos Carlé è venuto in Italia risale agli anni 60. Dapprima a Vietri sul Mare, dove intraprese varie sperimentazioni nel campo del design. La materia diviene per lui un fattore importante con una sua precisa significazione progettuale. Si trasferisce stabilmente ad Albisola, dopo aver acquisito un grande bagaglio di conoscenze cosmopolite, maturate tramite contatti ed esperienze in diversi paesi del mondo.

Il Maestro già in giovinezza, in Argentina, aveva acquisito dimestichezza con il mondo della ceramica nella fabbrica di mattoni refrattari del padre, dove aveva avuto modo di sperimentare il comportamento delle argille cotte ad altissima temperatura, traendo sapienza e perizia nella manipolazione della terra.

Enzo Biffi Gentili ha definito Carlos Carlé “un costruttore”, in quanto plasmava l’argilla, con la sovrapposizione della stessa, continuando nell’accrescimento dell’opera, attraverso uno sviluppo formativo, quasi organico, di stampo architettonico. Carlé esercitava un controllo sulla materia con geometrie primordiali, che si collocavano coi principi originari di una cosmogonia elementare: sfere, cerchi, quadrati, parallelepipedi.

Le sue sculture rappresentano una costruzione tra dialettica, razionalità e caos, con lacerazioni, squarci sia all’interno che all’esterno delle opere, fino a risultare di una sostanza ruvida, corrosa, dalla quale la materia emerge con una forza eruttiva.

Le opere di Carlé sono cotte ad alta temperatura, a milletrecento gradi, e il risultato prodotto sul grés è quello quello di effetti rugginosi, sgretolamenti, che rimandano alle corrosioni dei grandi muri di Antoni Tapies, riconosciuto da Carlé come suo mentore e maestro ideale.

L’artista osservava la natura, il mondo, la realtà prendendo spunto per gli sviluppi della sua arte.

La mente e le sue mani di scultore si inserivano in questo circuito di tempo e natura, catturandone lo spirito e imprigionandolo nelle proprie creazioni. L’osservazione dei sassi, ad esempio, che il tempo ha levigato con l’acqua arrotondandoli e incidendoli mediante lo sfregamento, ha suggerito a Carlé le opere “Cascotes”, come nella sua lingua madre vengono chiamati i sassi frammentati.

La struttura stratificata di queste opere, i segni e i colori, raggiunti mediante la sovrapposizione di terre colorate e l’utilizzo di smalti fusi sulla superficie, hanno generato effetti, che suggeriscono un’erosione spontanea dell’opera, in un processo naturale.

Le esperienze di lavoro in Italia e all’estero hanno lasciato un segno indelebile sulle sue opere, come si può percepire nei “Megaliti per Barge”, dove l’equilibrio raggiunge la perfezione e la forma si rasserena, si addolcisce, si bilancia, con inserimenti di materiali come la pietra con la sua morbida cromia grigia, alternati a colori azzurri che mitigano le imponenti opere riportandole ad una concretezza terrena. A

Carlos Carlé ci ha lasciati nell’aprile del 2015.

Antonella Gulli

catalogo mostra, disponibile in galleria. info: +39-3478055044 info@gulliarte.it