Sabato 28 febbraio 2026, dalle ore 18,00, fino al 29 Marzo 2026, s’inaugura presso la Galleria

GULLIarte, a Savona in Via Nostra Signora dell’Olmo 9,

la mostra dell’arista Dario Bosano:

OPERE

Una personale curata da Antonella Gulli, con la presentazione dell’artista a cura di Sandro Lorenzini.

Le 50 opere su tela, che Bosano espone da GULLIarte , sono sviluppate sulla tematica della pittura astratta, che si riferiscono a una rivisitazione dell’Action Painting americano del secondo dopoguerra, interpretato in maniera suggestiva e dinamica, in chiave attuale, con un colorismo vivace e fortemente espressivo.

Invitiamo ad approfondire il testo critico a cura di Sandro Lorenzini qui di seguito pubblicato.

TESTO CRITICO – a cura SANDRO LORENZINI

DARIO BOSANO – OPERE

Dario Bosano ci offre con questa personale l’occasione per fare il punto circa i rapporti che ciascuno di noi intrattiene, che lo voglia o no, con l’arte astratta e l’apparente caos che talvolta sembra manifestare, tramite i messaggi subliminali o criptici che l’incontro con essa potrebbe suggerirci.

Le opere che Bosano espone si inseriscono con vigore nel solco dell’Espressionismo Astratto, richiamando quell’Action Painting dove l’atto del dipingere diviene per l’artista che lo compie un vero e proprio rito liberatorio.

Dobbiamo tuttavia osservare come Bosano sappia declinare questa eredità storica, di cui è pienamente consapevole, l’attualizzandola mediante una sensibilità peculiare sua propria.

Non vi è caos nelle sue tele, ma piuttosto una costante ricerca di armonia dinamica: ogni goccia, ogni schizzo e ogni stratificazione cromatica sembrano rispondere a

un’urgenza interiore che si affaccia e trova finalmente voce sulla superficie.

Il colore è dunque per Dario Bosano un linguaggio vitale dinamico che diventa il mezzo ideale con cui esprimere un flusso inarrestabile di stati d’animo.

Quello dell’artista è un invito a guardare oltre la forma.

Egli non descrive il mondo: lo sente.

Le sue opere sono finestre aperte su paesaggi interiori, dove ciascuno di noi è libero di proiettare i propri sogni e le proprie emozioni, trovando nell’avvicendarsi delle cromie un linguaggio universale e catartico.

La pittura di Dario Bosano appare come una danza di atomi colorati, un’esplosione cosmica che trasforma la tela in un campo di forze in cui la materia pittorica rivendica una propria autonomia fisica.

L’artista non si limita a stendere il colore, ma lo“edifica” con maestria, strato su strato, attraverso una sedimentazione armoniosa di materia e di gesti, di azione e di memoria.

E’ una lavorare cosciente: le pennellate sono grasse e corpose, il materiale appare ora fresco e lucido, colto nell’atto di scivolare via, ora cristallizzato in grumi che catturano la luce, creando ombre proprie sulla tela.

L’uso del “dripping” (sgocciolamento) non ha solo un fine estetico, ma funge proprio da “tessitura aerea”: i filamenti di colore si intrecciano suggerendo un senso di movimento perpetuo.

L’uso di spatole che spesso scavano e incidono l’impasto pittorico, rivelano gli strati sottostanti, che riemergendo producono nuovi giochi cromatici.

La scelta di formati spesso importanti permette al materiale di espandersi senza costrizioni, facendo sì che il pigmento si riveli come un nuovo protagonista, libero di accordarsi in una sinfonia di sensazioni e di coinvolgimenti emotivi che ci accompagnano, suadenti, lungo il cammino in fondo al quale, se sappiamo ben vedere, sta di casa, insieme con la verità, la bellezza.

Sandro Lorenzini

DARIO BOSANO – OPERE – OLIO SU TELA 100X100

DARIO BOSANO – OPERE – 70X100

Biografia

Dario Bosano nasce e vive a Savona, città di mare e di terra, la cui luce e i cui contrasti hanno profondamente influenzato la sua sensibilità artistica. Il suo percorso nel mondo dell’arte inizia come una necessità di esplorazione interiore, un viaggio verso le radici dell’emozione pura che lo porta, negli anni, a distaccarsi dalla figurazione tradizionale per approdare a un linguaggio astratto e materico di rara potenza.

Autodidatta per vocazione e ricercatore per istinto, Bosano ha saputo elaborare una cifra stilistica personalissima, dove l’eredità dell’Informale e dell’Espressionismo Astratto americano viene riletta attraverso un filtro squisitamente mediterraneo. La sua tecnica è un dialogo fisico con la tela: un corpo a corpo fatto di gesti istintivi ma controllati, dove la spatola, il pennello e le dita diventano estensioni della sua volontà creativa.

Le sue opere sono state protagoniste di numerose mostre personali, ricevendo consensi per la capacità di comunicare una gioia di vivere vibrante e, al tempo stesso, una profonda riflessione sulla complessità dell’animo umano. Attraverso la sua ricerca costante sull’equilibrio cromatico e sulla dinamica del segno, Dario Bosano continua oggi a indagare le infinite sfumature della “vita a colori”, confermandosi come una delle voci più autentiche e passionali del panorama artistico savonese contemporaneo.

GULLIarte – via Nostra Signora dell’Olmo 5/7/9 – Savona

info: www.gulliarte.it – facebook/instagram:@gulliarte.it – info@gulliarte.it – 3478055044

ORARIO GALLERIA: chiuso il lunedí

tutti i giorni dalle ore 13.00/19.30

DOMENICO ASMONE

“Cromatismi Materici”

Mostra personale di ceramiche, sculture e tele

Inaugurazione: sabato 11 ottobre 2025, ore 17.30
Periodo: 11 ottobre – 23 novembre 2025
Luogo: GULLIarte, Via Nostra Signora dell’Olmo 5/7/9 – Savona
Orari: tutti i giorni 12.30 – 19.30 (chiuso il lunedì)

Sabato 11 ottobre 2025, alle ore 17.30,

la Galleria GULLIarte di Savona inaugura la mostra personale di Domenico Asmone, intitolata

“Cromatismi materici”,

che resterà aperta al pubblico fino al 23 novembre. 2025.

L’esposizione è curata da Antonella Gulli, con testo critico di Domenico Iaracá.

Dopo il successo ottenuto al Museo Ceramico Fornace Pagliero 1814 durante la 64ª Mostra della Ceramica di Castellamonte, “Cromatismi Materici” arriva a Savona con circa 80 opere tra sculture, altorilievi ceramici e tele.

La ricerca artistica di Domenico Asmone si muove tra storia e materia, evocando nelle sue opere suggestioni medievali, rimandi all’arte sacra e riferimenti cromatici alla tradizione italiana.

Le sue sculture ceramiche e tele materiche si distinguono per un uso personale e potente del colore, che diventa protagonista assoluto: è il colore, infatti, a costruire forme e volumi, superando i contorni del disegno.

L’arte di Asmone non riproduce, ma evoca: emozioni, paesaggi interiori, echi culturali delle città vissute – da Bologna a Pistoia – con un’energia vibrante che parla direttamente ai sensi. È una pittura sensoriale e vitale, capace di coinvolgere e trascinare lo spettatore.

Le opere in mostra dialogano tra volumi e colori, dando vita a un percorso sensoriale che unisce suggestioni di luce, colore e materia.

TESTO CRITICO

a cura di Domenico Iaracà

DOMENICO ASMONE – CROMATISMI MATERICI

C’è una summa di storia alle spalle delle opere di Domenico Asmone in mostra a Castellamonte. O, meglio, di storie dovremmo forse dire.

Ma non solo questo, come speriamo di poter chiarire in queste righe di introduzione all’evento. Ripercorrendo insieme ai visitatori della mostra il percorso che ci porta all’interno delle Fornace Pagliero, non possiamo non partire dall’esempio immediatamente evidente di archeologia industriale rappresentato dalla sede della mostra stessa.

Vero monumento del territorio del Canavese, è una traccia della storia economica e produttiva collegata al materiale ceramico quello che balza immediatamente agli occhi: dalle ciminiere sovrastanti i forni, ai numerosi locali di stoccaggio del materiale e dei prodotti, la mostra è ambientata in esempi eclatanti di quanto nel mondo anglosassone è molto studiato fino ad essere tema di percorsi accademici. A questa si aggiunge una consapevole citazione dell’artista di diversi esempi della storia dell’arte. Nelle righe introduttive che l’artista stesso ha infatti premesso al volume dedicato agli altorilievi è dichiarato un debito riconoscente verso capisaldi della storia dell’arte, a partire da quel Giovanni Pisano che firma il pulpito nella chiesa di Sant’Andrea a Pistoia, città adottiva dell’artista stesso.

Ma se le sculture medievali sono un rimando alla forma dell’oggetto artistico, c’è l’accesa cromia del fregio robbiesco dell’Ospedale del ceppo, della stessa Pistoia, a fare da specchio agli smalti scelti dall’artista. Ai rimandi riconosciuti dall’artista stesso potremo aggiungerne uno ulteriore: guardando in particolare alla sovrapposizione della forma scultorea alla cornice che delimita i rilievi arriviamo al San Francesco di Zurbaran o al San Sinibaldo di Dosso Dossi all’Accademia di Venezia: in queste due tele i santi, seppur siano rappresentati obbedendo alle inamovibili regole iconografiche della pittura religiosa, rompono irriverenti i limiti imposti dalla convenzioni pittoriche sporgendo fuori dalla cornice loro dedicata, conquistando quindi lo spazio e dando vita ad una rivoluzione rispetto alla tradizione artistica precedente.

Quanto detto non deve fare però cadere nell’equivoco di considerare che la ricerca artistica di Asmone sia esclusivamente debitrice della tradizione precedente. Decisamente personale e pienamente riconosciuto e riconoscibile è infatti l’uso estensivo del colore. Anche nella rara se non isolata opera prevalentemente bianca, le tracce di altri colori e i chiaroscuri della forma molto movimentata creano giochi di luce e d’ombra che rompono la monocromia.

L’aspetto è ancora più evidente in opere in cui colori diversi si accostano gli uni agli altri. Indifferentemente in opere in due o tre dimensioni, crediamo sia questa la cifra stilistica che ne contraddistingue l’opera. Possiamo dire di più: nelle opere pittoriche è il colore stesso che, in assenza di disegno o linee di contorno, crea la forma dei rari rimandi mimetici delle opere, temi figurativi accennati dai titoli. Ma anche in questo caso sono più evocazioni che non riproduzioni quelle che dobbiamo aspettarci nelle opere di Asmone, l’eco di un vissuto e non il rispecchiamento pedissequo di un evento o di un paesaggio.

Volendo procedere con qualche notazione critica sull’opera di Domenico Asmone non possiamo che rimandare innanzitutto al ricco apparato di testi presente nel catalogo Il colore mi possiede volume pubblicato in occasione della recente mostra milanese. Le nostre si propongono quindi come semplici chiose a quanto già sapientemente scritto, a partire dal richiamo di Nello Taietti al gusto per la natura tipica della temperie romantica. Se questo è indubbiamente vero, a questo aggiungiamo anche il rimando al sentimento romantico del sublime inteso come stupore davanti all’infinitamente grande e infinitamente potente, sentimento che ci sembra di intravedere in tele come Energia Lampi e tuoni.

Ad un romanticismo di matrice nordica, attento al medioevo e alle sue rovine, potrebbe a prima vista rimandare pure la citazione dei paesaggi culturali delle città in cui è vissuto, dalla nativa Bologna a Pistoia, paesaggi culturali richiamati negli stemmi e negli architravi scolpiti delle chiese dalle facciate bicrome, a fasce bianche e nere. Ma le forme frammentate crediamo vadano lette più come abbozzi di forme da completare mentalmente, seguendo I principi gestaltici che non un gusto per le rovine.

Se dovessimo infine scegliere una definizione per illuminare l’irriducibile ricchezza di stimoli che l’arte di Asmone ci suggerisce potremmo semmai propendere per quella di vitalismo panico che colori e Natura lussureggiante, presenti nelle sue opere, ci ispirano. Di fronte a questa esplosione di energia e vita, che trasuda dalle sue opere e interagisce con I paesaggi urbani citati senza tuttavia obliterarli, noi siamo trascinati e animati. Domenico Iaracá

Biografia DOMENICO ASMONE

Domenico Asmone nasce a Bologna nel 1963 e vive a Pistoia dal 1969. Autodidatta, attivo dagli anni ’80, sviluppa una ricerca artistica centrata sul colore e sulla materia, con un linguaggio personale che spazia tra pittura e scultura ceramica.

Negli anni ha esposto in Italia e all’estero (Milano, Savona, Roma, Lugano, Berlino, Hong Kong) ed è stato selezionato da critici come Giammarco Puntelli e Nello Taietti per progetti editoriali ed espositivi. È membro storico del gruppo Laboratorio Acca – ArteInvestimenti, e artista socio del Museo della Permanente di Milano.

XI RASSEGNA DI CERAMICA CONTEMPORANEA E DEL NOVECENTO

La XI RASSEGNA KÉRAMOS 2025 , s’inaugura SABATO 7 GIUGNO ORE 19.00

L’evento é inserito nel programma “off”, nell’ambito del III Festival della Maiolica 2025.

La mostra in Galleria GULLIarte che apre questo evento nazionale, giunta alla XI edizione, é una collettiva dedicata al grés, dal titolo “KÉRAMOS IN GRÉS”, nella quale sono presentati artisti già inseriti in galleria, abbinati a nuovi artisti sia contemporanei che storici e museali:

LORENZO BARTOLINI – CARLOS CARLÉ – EVANDRO GABRIELI – ADRIANO LEVERONE – SANDRO LORENZINI – YLLI PLAKA – ATSUSHI SHIMADA – ALESSIO TASCA – VITTORE TASCA – CARLO ZAULI.

Un grande lavoro di ricerca e di coordinamento a cura di Gulli Antonella con la collaborazione, la critica, la presentazione a cura di Domenico Iaracà .

Nel contesto, é presentata un opera ed un progetto, il quale é inserito in galleria e sviluppato con il patrocinio di GULLIarte: L’ALBERELLO – IL GIOIELLO PER LA TUA CASA.

All’esterno della Galleria un grande happening con l’ APERIKÉRAMOS, organizzato dagli esercenti di 2123 e RETRO, una sodalizio tra arte e cibo.

La programmazione di KÉRAMOS2025 é sviluppata in un arco temporale che parte dal 10 Maggio2025 fino al 26 gennaio 2026.

ALESSIO TASCA

ADRIANO LEVERONE

CARLO ZAULI

CARLOS CARLÉ

”Kéramos in grés“ – a cura di Domenico Iaracá

…il grés ha una ricchezza, un calore, un’espressività che gli altri materiali non hanno”.

Carlos Carlé

“L’XI edizione della rassegna Kéramos vede la galleria GULLIarte arricchire il suo portfolio di artisti con opere in gran parte inedite o mai viste in questa sede grazie alla preziosa collaborazione di artisti, istituzioni museali e collezionisti privati. Ciò permette di tracciare un quadro significativo della ceramica prodotta in Italia negli ultimi cinquanta anni nel quadro di un omaggio a Carlos Carlé, a dieci anni dalla sua scomparsa.

La selezione operata sarà visibile sia in galleria sia in istituzioni museali fuori regione, a partire dal Museo ceramico Fornace Pagliero 1814 a Castellamonte, in provincia di Torino.

Le grandi architetture di Carlé ci legano a Leonardo Bartolini. Già dai titoli appare un interesse comune: Colonne in Carlé, Guglie e Bastioni in Bartolini, ma la trasposizione nei due appare immediatamente molto diversa. Fatta salva un’attenzione per la tettonica degli edifici riproposti in ceramica, una prima differenza si riscontra nel trattamento delle superfici: in Carlé ricorre un tratto distintivo fatto di tagli e incisioni; a questo si contrappongono le campiture uniformi di Bartolini che, partendo dagli spigoli taglienti degli edifici a cui si ispira, aggiunge i margini morbidi nelle citazioni dei cuscini giapponesi. Dal macroscopico al microscopico, dal monumentale all’oggetto della più intima quotidianità, l’artista rivolge il suo occhio attento alle volumetrie, al rapporto tra gli oggetti e lo spazio, nel significato più ampio di architettura, sia che si rivolga agli esempi italiani, sia che guardi al Giappone, suo Paese d’elezione.

Un nucleo importante di opere sintetizza la ricerca di Carlo Zauli, sperimentatore del grés a partire dalla metà degli anni ‘50. Dopo una fase produttiva con materiali della tradizione italiana, quegli anni vedono infatti la sperimentazione del nuovo materiale e l’affermarsi del bianco che ne è diventato una firma ante litteram. L’argilla dei campi solcati dall’aratro o, al contrario, le superfici levigate di sfere talvolta lacerate o fratturate; vasi sconvolti, con una definizione dell’artista stesso, ovvero collassati su se stessi e poi ricomposti; oppure le grandi steli, parcellizzazione di opere monumentali allestite stabilmente in molti Paesi: è ampio Il repertorio di forme che caratterizzano la produzione di Zauli, così come, all’inverso, è ristretta la tavolozza.
La porosità della materia e le superfici talvolta ruvide trasformano i suoi bianchi in opere il cui assistiamo al superamento del monocromo per ritrovare un tessuto ben più mosso, animato dallo scorrere della luce su una superficie non omogenea.

Vere e proprie rivoluzioni artistiche, quelle di cui stiamo parlando, a cui si aggiungono anche sperimentazioni tecniche che hanno lasciato un segno profondo nella ceramica. Ci riferiamo, tra le altre, all’uso innovativo delle matrici per laterizi all’interno della ceramica d’arte, innovazione sperimentata da Alessio Tasca nel suo laboratorio. È appena trascorso il cinquantesimo anniversario della presentazione delle sfere prodotte a trafila alla Biennale di scultura di Gubbio del 1974 e questa tecnologia continua ad essere sperimentata nel laboratorio che porta ancora il nome dell’artista, ma anche l’esterno, come nel Master in design del prodotto ceramico con il coinvolgimento dell’Accademia di belle Arti di Firenze e l’ISIA di Faenza. Nella mostra nella galleria GULLIarte un’opera storica prodotta grazie alla matrice appariva quindi imprescindibile. A questa opera si affianca un ulteriore pezzo unico: una rielaborazione sul tema della sfera, ma in questa occasione composta dall’unione di solidi, di forme geometriche che nella forma conclusa della sfera trovano una loro sintesi in un perfetto equilibrio formale.

Alle opere degli anni ottanta a firma di Alessio Tasca seguono quelle che Vittore Tasca produce in anni più recenti nello stesso laboratorio con intenti completamente diversi: le matrici utilizzate a suo tempo per la produzione di oggetti di design sono impiegate in progetti in cui l’essiccazione naturale del materiale è compartecipe nel percorso creativo. In una ricerca artistica in cui è centrale l’attenzione al mondo naturale, animale o vegetale, queste forme sono chiamate ad evocare aspetti organici. Non mancano tuttavia elaborazioni completamente astratte come quelle in mostra. Rispetto alla produzione storica della bottega la produzione si presenta decisamente innovativa, non solo per l’uso di smalti sui materiali storicamente impiegati, ma anche per le forme che, non a caso, sono indicate nei titoli da sigle e non a rimandi mimetici al mondo che ci circonda.

Altre due esperienze artistiche connesse fra di loro ci portano a Savona con Sandro Lorenzini e uno dei suoi allievi di un tempo, Atshuki Shimada. Partendo da Sandro Lorenzini osserviamo una ricerca accostata all’esperienza della west coast statunitense a al suo gusto per i colori accesi, un confronto con la produzione di artisti tra cui Peter Voulkos. Come ricorda Irene Biolchini nel catalogo della mostra al Museo di Savona, fu proprio lui ad invitarlo all’Università di Berkeley in una delle molte esperienze internazionali a cui, oltre agli Stati Uniti, vanno aggiunte poi Cina e Giappone. Prova tangibile dell’innovazione di Sandro Lorenzini, è presente in mostra uno dei tre grandi vasi prodotti nel 2007 allo Shigaraki Ceramic Culture Park, in Giappone. Applicando tecniche innovative Lorenzini fa uso di smalti sul corpo delle sculture e i tratti luministici in oro sono frutto addirittura di un quarto fuoco. Al cromatismo acceso e contrastante di alcune opere vanno accostati i toni cromaticamente più pacati di altre realizzazioni, ottenuti attraverso l’uso esclusivo di ossidi metallici sul grés in sculture dal tono più intimistico.

Allievo di Lorenzini già dagli anni delle sue residenze a Shigaraki, Atsuhsi Shimada ha seguito il maestro in ripetute esperienze giapponesi e in Italia prima di intraprendere un percorso autonomo. Il materiale utilizzato dall’artista non poteva che essere quello tradizionalmente utilizzato in Giappone, dove le cotture ad alta temperatura sono la norma. Ma le opere presenti in mostra presentano chiaramente il sovrapporsi delle influenze di due Paesi culturalmente molto lontani. Ecco il grande elmo con I tratti che rimandano alla scultura di Paladino e alle maschere veneziane del medico della peste: forme scabre dai tratti somatici spropositati in un’opera dall’impianto monumentale. In mostra opere riconoscibili stilisticamente, rarefatte ed incisive, come la sagoma della barca che, orizzontale o inclinata su un fianco, è pretesto per uno sviluppo in verticale delle forma, anticipando quanto Giuseppe Gallo ha realizzato per la Symphonie en trois mouvements presentata a Parigi nel 2008. Lì bronzi politi e rimandi perfettamente coglibili in ogni dettaglio, qui oggetti che rifuggono, come è stato detto, “le forme scontate di un’estetica narrante”.

Tra gli alunni di Carlo Zauli Adriano Leverone. Radicato nel territorio, ma aperto ad esperienze internazionali, sia di esposizioni che di didattica, perfino su incarico del Governo italiano. Locale e globale, così come argilla e ardesia: mondi all’apparenza antitetici, come, d’altra parte, una Madrepora o un Fiore e un Armigero corazzato, scultura di notevoli dimensioni che unisce bronzo e argilla. Un panorama ampio il suo che non esclude elementi naturali e rimandi quasi epici se non addirittura mitici: è quasi superfluo sottolineare che il termine di armigero rimandi ad un medioevo ormai lontano.
Opere che potrebbero bene essere inserite nell’informale hanno nomi che rimandano al contrario ad oggetti tangibili relativi all’orizzonte più diverso: temi naturalistici appaiono già a metà anni ’70 e in anni ben più recenti, separate da un venticinquennio dalle precedenti. Richiami ad un mondo reale non surclassano però l’interesse per il contrasto nella lavorazione delle superfici, siano queste quelle polite di metallo o argilla che definiremmo steccata alternate a quelle percorse dai suoi riconoscibili incavi dal profilo frastagliato.

Dopo aver visto molte opere riconducibili al termine generico e mai perfettamente esatto di informale, Ylli Plaka sembrerebbe portarci al nostro quotidiano. Ma questo è solo in parte valida e necessita di numerose precisazioni. Se mai dovessimo trovare un termine unico per definirlo potremmo suggerire quello di ibrido, di natura plurima in opere come Uomo lancia o Donna cigno. Se dovessimo poi procedere ad un computo delle sue opere sono ben poche quelle in cui la figura umana è oggetto esplicito della rappresentazione per lasciare invece prevalentemente spazio ad una ricca serie di animali, dai tratti però molto spesso umanizzati, come ho già avuto modo di sottolineare nella sua personale al Museo di rocca Flea a Gualdo Tadino. La fusione di elementi presenti nel nostro orizzonte visivo avviene però in una maniera talmente inaspettata da ricondurre alcune realizzazioni al surreale, come nel busto con una serratura nel ventre, forse simbolo dell’imperscrutabilità femminile.

Animatore delle Officine ceramiche di Roma, Evandro Gabrieli ha già al suo attivo importanti esperienze in Italia e all’estero, dal Concorso Internazionale di Andenne, in Belgio, alla Biennale di Faenza di prossima apertura, ad esemplificare la sua ricerca recente. Architetture emotive,vista ad Andenne era la trasposizione dei trabucchi collegati ai suoi ricordi di infanzia. Così le opere selezionate al Premio Faenza e per l’esposizione savonese. In queste, ci dice, è presentata “una riflessione personale e intima sul sentimento della paura e dell’ansia, esplorando un malessere che è sia sociale che individuale. Con queste creazioni intendo aprire un dialogo, un confronto sull’esperienza di chi si trova a fare i conti con questi stati emotivi. Per raccontare questa riflessione, sono stati scelti come simboli la ”boa” e la “bitta”, volumi cilindrici e da parete, questi lavori ritraggono immagini di atolli e paesaggi terrestri visti dall’alto, attingono all’immaginario del paesaggio marino e ai ricordi dell’infanzia, a un periodo della crescita personale che, pur essendo meno strutturato, è caratterizzato dalla scoperta ludica del mondo circostante e dalla spensieratezza”.

Sono l’Argentina e l’Italia, Savona in particolare, i poli tra cui si svolge la vicenda biografica di Carlos Carlé. Due poli all’apparenza antitetica sono poi quello della lavorazione di laterizi per l’edilizia e la maiolica, ovvero l’industria di famiglia in cui si sono svolti gli anni di formazione e l’occupazione successiva, una volta arrivato in Italia. Potrebbe essere semplicistico dichiarare che il risultato finale della ricerca artistica di Carlé sia una sintesi dei due elementi, ma in realtà alcuni aspetti potrebbero legittimare questa nostra affermazione. Ci riferiamo all’attenzione agli elementi costruttivi, architettonici di molte opere del Maestro, riassunti già dai titoli, come già detto, a cui si unisce un’attenzione per il colore. Non è solo questo a caratterizzare le superfici delle opere: l’artista stesso ricorda l’intervento di “elementi anche molto semplici: li graffio, li taglio, li buco, li lavoro in questa forma qui, per arricchirlo e poi dó una patina molto semplice con diversi ossidi che con l’alta temperatura produce effetti che amo molto. Sempre un po’ contrastato con qualche parte di lucido, di smalto, di cristalli, di vetri, perché una cosa fa vivere l’altra, arricchisce l’opera”. Ecco quindi gli elementi di quella che abbiamo definito una caratteristica immediatamente riconoscibile delle sue opere.
In sintesi una mostra a più voci atta a dimostrare la specificità di un materiale ceramico nell’esperienza molteplice della creatività dei Maestri.

Domenico Iaracá

LEONARDO BARTOLINI

VITTORE TASCA

YLLI PLAKA

SANDRO LORENZINI

EVANDRO GABRIELI

ATSUSHI SHIMADA

PROGRAMMA XI RASSEGNA KÉRAMOS 2025

CASTELLAMONTE

Una mostra fuori sede, a Castellamonte, nella ridente localitá del Canavese, centro di antica produzione ceramica, presso il Museo della Ceramica Fornace Pagliero 1814.

Si é aperta il 10 Maggio 2025 una retrospettiva dedicata al Maestro GIORGIO MOISO dal titolo

“COLORE, MATERIA, GESTO”; esposizione a cura di Antonella Gulli, con testo critico e presentazione a cura di Domenico Iaracá.

Un allestimento di circa 70 opere in ceramica, con sculture, bassorilievi, sfere, realizzate in diversi periodi storici.

Successivamente la mostra si trasferirá a Savona nella Galleria GULLIarte, dal 29 novembre 2025 al 26 gennaio 2026.

SAVONA

Dal 7 giugno 2025 dalle ore 19.00, nell’ambito e in collaborazione con il terzo Festival della Maiolica 2025 a Savona, GULLIarte si apre la rassegna KÉRAMOS 2025 con una importante collettiva.

La mostra, dal titolo Kéramos in grés a cura di Antonella Gulli, con testo critico e presentazione a cura di Domenico Iaracá.

Artisti in esposizione

CARLOS CARLÉ – ADRIANO LEVERONE – ALESSIO TASCA- CARLO ZAULI

LEONARDO BARTOLINI – EVANDRO GABRIELI – ADRIANO LEVERONE

SANDRO LORENZINI – YLLI PLAKA – VITTORE TASCA – ATSUSHI SHIMADA

Al vernissage, verrá offerto un apericena a tema, “Aperikéramos”, sviluppato sugli spazi stradali difronte alla galleria in collaborazione con alcuni esercenti del quartiere : RETROBOTTEGA – 2123

CASTELLAMONTE

Dal 23 agosto al 15 settembre 2025 nell’ambito delle manifestazione della 64 Mostra dela Ceramica di Castellamonte presso il Museo della Ceramica Fornace Pagliero1814, é ospitata la collettiva

“Kéramos in grés”.

Artisti in esposizione:

CARLOS CARLÉ – ADRIANO LEVERONE – ALESSIO TASCA- CARLO ZAULI

LEONARDO BARTOLINI – EVANDRO GABRIELI – ADRIANO LEVERONE

SANDRO LORENZINI – YLLI PLAKA – VITTORE TASCA – ATSUSHI SHIMADA

– Dal 23 agosto al 15 settembre 2025

Nell’ambito delle manifestazioni della 64 Mostra della Ceramica di Castellamonte, presso il Museo della Ceramica Fornace Pagliero1814 si apre la personale di ceramica con opere di pittura:

DOMENICO ASMONE – ”CROMATISMO PURO”

La mostra si trasferirá a Savona da GULLIarte dall’11 ottobre al 23 novembre 2025.

SAVONA

Dal 29 novembre al 26 gennaio 2025, da GULLIarte si trasferirá la mostra:

GIORGIO MOISO -”COLORE, MATERIA, GESTO”– giá presentata a Castellamonte.

MARIAN HEYERDAHL – OLE LISLERUD

Sabato 12 aprile 2025 alle ore 18.30, s’inaugura presso la Galleria GULLIarte, la nuova bipersonale

SIMBOLISMI CONTRAPPOSTI

degli artisti Marian Heyerdahl e Ole Lislerud.

Un’allestimento di diverse opere. Alle tele di Lislerud – di grandi dimensioni e dai colori intensi o sfumati – si contrappongono le sculture ceramiche dall’eco orientale della Heyerdahl. Il tutto è affiancato dalle raffinate opere su carte di riso, leggere e quasi impalpabili, realizzate da entrambi gli artisti, in un dialogo di linguaggi contrapposti da cui nasce il titolo ”Simbolismi contrapposti”.

La mostra sará visitabile fino al 1 giugno 2025.

Orario galleria: chiuso il lunedí mattina – tutti i giorni dalle 12.00/19.30

info: 3478055044

SIMBOLISMI CONTRAPPOSTI

Ole Lislerud e Marian Heyerdahl sono artisti di nazionalità Norvegese, di grande esperienza internazionale e di raffinata cultura.

Nel loro percorso artistico si sono confrontanti con culture, genti e Paesi diversi, conducendo esperienze lavorative in varie parti del mondo.

In questa bipersonale, sono allestite diverse opere. Alle tele di Lislerud – di grandi dimensioni e dai colori intensi o sfumati – si contrappongono le sculture ceramiche dall’eco orientale della Heyerdahl. Il tutto è affiancato dalle raffinate opere su carte di riso, leggere e quasi impalpabili, realizzate da entrambi gli artisti, in un dialogo di linguaggi contrapposti da cui nasce il titolo ”Simbolismi contrapposti”.

Marian Heyerdahl presenta al pubblico l’installazione che ha ideato per la mostra di Argillá2024 a Faenza, nel quadro di una mostra che si é svolta nel prestigioso Palazzo Milzetti, Museo dell’Etá Neoclassica in Romagna.

Le opere, che abitavano la “stanza della pace e della guerra” del già citato Palazzo Milzetti, sono una ricerca ispirata ai guerrieri cinesi di terracotta, unici protagonisti della vicenda, con il loro ruolo attivo di uomini in guerra; la rilettura dei conflitti data da Marian Heyerdahl si focalizza invece su chi questi eventi li subisce siano, essi donne o bambini.

A loro appartengo i volti ritratti, protetti da un’inutile casco di carapace di aragosta. Alle loro vite sembrano rimandare le fratture tra le tessere che compongono la parola pace scritta sui suoi grandi piatti, posti su un tappeto o mosaico di ceramiche rotte, quasi una metafora di ferite profonde che vengono in superficie. In contrasto con la profonda sofferenza i colori scelti dall’artista: talvolta sono squillanti o preziosi, oro e argento,quasi da oggetto Pop.

Nelle opere su carta, l’artista si stacca dalla spontaneità intuitiva degli schizzi, base di partenza per i suoi lavori, ed entra in un mondo meditativo, ove i puntini ripetuti della penna formano una sua storia da raccontare.

Tematiche attuali, ma a volte ironiche, sono rivolte al mercato dell’arte, con la raffigurazione della banana che l’artista Cattelan ha creato. Quest’opera è rivisitata dalla Heyerdahl con nastri con impresso il logo dei dollari americani per enfatizzare il grande clamore mediatico e speculativo dell’opera stessa.

Le grandi tele di Ole Lislerud hanno una scelta cromatica che ci avvicina a movimenti di rottura e di distanza dalla classicità e un certo accademismo.

Un filo conduttore costante, basato su iscrizioni, segni e simboli, elementi centrali della sua ricerca artistica, i quali stanno a simboleggiare l’importanza e l’attenzione che l’artista sollecita agli osservatori verso le culture e le lingue che stanno scomparendo per l’effetto dell’attuale globalizzazione culturale.

Lislerud ha scelto di approfondire per questa mostra una sua riflessione sul rapporto immediato eppure complesso fra valore simbolico del linguaggio e identità culturale collettiva, testimonianza della sua continua, intensa e sagace ricerca relativa alla propria identità individuale.

A partire dall imponente Lex Portalis del Palazzo di Giustizia di Oslo (opera in porcellana del 1992) all’odierna mostra SIMBOLISMI CONTRAPPOSTI (GulliArte, Savona, 2025), Lislerud sperimenta la scrittura su materiali diversi, spaziando dalla porcellana al vetro, all’alluminio, L’attenzione ai segni si è sviluppato anche attraverso la pittura e la calligrafia, senza cadere negli stilemi calligrafici tipici dell’Oriente, pur subendone il fascino e l’energia.

Una preziosa opportunità per estimatori dell’arte contemporanea, di apprezzare modalità diverse di guardare al mondo che ci circonda..

OPERE NELLA MOSTRA SIMBOLISMI CONTRAPPOSTI

OLE LISLERUD

LETTERA MISTICA LAVAGNA PERGAMENA

ACRILICO SU TELA 120X120CM

MARIAN HEYERDAHL